Gestern abend im voll besetzten Prinzregententheater: die Premiere von Anouar Brahems neuem Werk Souvenance. Was schon auf CD so faszinierte, wird auf der großen Bühne noch deutlicher – der fein ausbalancierte und nuancenreiche Klangreichtum.

Der fabelhafte schwedische Bassist Björn Meyer ist unbeirrbarer Taktgeber, mit seinem sensibel gestreichelten Bass steuert er aber auch fast mystisch wirkende Klänge bei. Auch Klaus Gesing setzt seine Baßklarinette weniger als Soloinstrument ein, er fügt immer wieder Klangfarben wie Farbtupfer hinzu. Der großartige Pianist François Couturier hilft mit seinem glasklaren Spiel den häufig zyklischen Aufbau der einzelnen Stücke noch zu unterstreichen und wird dadurch zu einem zentralen Punkt der Komposition. Schließlich noch das mit jungen Musikern besetzte Tallinn Chamber Orchestra, das, sichtlich inspiriert, flirrende und sinnliche Klangeinschübe beisteuert. 
Aus diesem sich von Stück zu Stück verändernden Klangkosmos schält sich Anouar Brahems so emotionales Spiel auf der Oud immer wieder heraus.  

Ein sehr intensiver Konzertabend, der zur Nachdenklichkeit zwingt, aber auch Glücksgefühle erzeugt und noch lange in Erinnerung bleiben wird.
Mit einer heiteren Zugabe, die an die große Zeit arabischer Orchestermusik erinnert, und einem elegischen Ausklang entlassen uns die Musiker in die Münchner Winternacht.

für alle, die nicht dabei sein konnten, gibt es hier ein schönes Video

Ein Sommernachtstraum








Das Keith Jarrett Trio in München, am 9.7.2013 - 
eine Nachbetrachtung 

Keith Jarretts Livekonzerte sind legendär, manchmal merkwürdig, meistens aber denkwürdig. Denn es droht häufig ein Eklat, wie zum Beispiel vor ein paar Tagen in Perugia, als Jarrett in vollkommener Dunkelheit spielte, um Fotografieren zu verhindern.
Das schon im Vorfeld gewarnte Münchner Publikum erwies sich aber als durchaus diszipliniert und in der Lage, dem Wunsch der Musiker nach absoluter Ruhe zu entsprechen.
Mehr noch: möglicherweise geschult durch Manfred Eichers Credo "the most beautiful sound next to silence" erkannte das Publikum die noch aussschwingenden Töne und zerstörte die Atmosphäre keineswegs durch zu frühen Applaus.

Mein erstes Lob gilt daher dem Münchner Publikum, das, erfreulicherweise von sehr vielen sehr jungen Leuten durchsetzt, an diesem Abend "auf den gleichen Ton gestimmt" schien. Dadurch bekam der Abend, an dem gleichzeitig der Geburtstag des ECM-Chefs zu feiern war, einen würdigen und festlichen Rahmen.

Das zweite Lob haben natürlich die Musiker verdient. Sie boten vorwiegend Jazz-Standards, blitzsauber gespielt, wie man das von geschulten Musikern erwartet – und dennoch war das routinierte Spiel von vielen Glanzlichtern gekennzeichnet.

Keith Jarrett, spürbar gut aufgelegt, spielte mit dem Rücken zum Publikum, was den Blick auf seinen drahtigen Körper eröffnete. Schön zu sehen, wie ein Schulterzucken einen Akzent vorwegnimmt, wie er teils im Stehen spielt, als wolle er den Flügel bändigen. Dann aber wieder die Arme adlerschwingengleich ausbreitet um das komplette Instrument förmlich zu umarmen und seine Möglichkeiten völlig auszuloten.
Das Spiel Jarretts ist noch immer sehr körperbetont, aber weit weniger ekstatisch als früher. Geblieben ist sein unverkennbarer Ton, der mir noch reifer, reiner, abgeklärter, "klassischer" erscheint. Das wird vor allem in den Balladen, in den lyrischen Passagen klar. Einer der magischen Momente war es, als Jarrett im zweiten Drittel des Konzerts am Schluß eines Stücks die Arme von den Tasten nahm und sich vor dem langsam ausklingenden Ton förmlich verneigte. Gänsehaut!

Nach der dritten Zugabe kam Jarrett nochmals auf die Bühne und sprach in ECM-typischer Reduktion aufs Wesentliche das Grußwort "Happy Birthday Manfred". Dem können wir uns nur anschließen.

Musik hat keinen Ort, sagt Manfred Eicher. Seine Musik ist aber vorübergehend im Haus der Kunst eingezogen. Mehr noch: sie hat sich eingenistet, ausgebreitet, erfüllt die Räume. Sie wird begehbar und erlebbar. Auf vielen Hörstationen kann man historische und aktuelle Aufnahmen geniessen, auf zahlreichen Bildschirmen werden filmische Dokumente gezeigt.
Die Musik wird aber auch förmlich greifbar. Denn Manfred Eicher hat seine Asservatenkammern geöffnet und viele Dokumente zur Verfügung gestellt. Da finden sich Fotos und Notenblätter, Plattencovers und Entwürfe der großartigen Grafikerin Barbara Wojirsch (wieviel schöner und dynamischer waren doch die großen LP-Covers im Vergleich zu CD-Hüllen!).

Daß die Musik aber eine materiell faßbare Dimension bekommt, liegt vor allem am Archiv der Originalbänder. Schon in der ersten Vitrine liegt eine Magnetbandspule, groß wie eine Sachertorte. Darauf enthalten: 30 Minuten Musik von Keith Jarrett. So wie diese Spule da liegt, strahlt sie Souveränität aus, ist sie ein Sinnbild von äußerer und innerer Qualität.

Im gleichen Raum dann das Herzstück der ganzen Ausstellung: ein gigantisches, die gesamte Breite und Höhe des Raumes einnehmendes Regal mit den Originalbändern aus vier Jahrzehnten!
Ein Exponat von unschätzbarem Wert und von einer derartigen Ausdruckskraft, daß man sich andächtig niederknien möchte.

Mir schießt der Gedanke durch den Kopf, daß diese Wand irgendwann vielleicht endgültig im Museum landet, weil es keine Geräte mehr geben wird, die diese Bänder abspielen können.
Digitalisiert würde all die Musik wahrscheinlich auf eine transportable Festplatte passen, vielleicht sogar auf einen iPod. Den könnte man dann als Symbol daneben legen – und es wäre, als würde man neben einer Kathedrale eine Autobahnkapelle errichten. Beide erfüllen vielleicht den gleichen Zweck, qualitativ liegen aber  Welten dazwischen.
Insofern ist diese Wand, wie die gesamte Ausstellung, auch eine Mahnung davor, reale Werte nicht durch virtuelle Realität zu ersetzen. Der Qualitätsverlust wäre immens.

Für mich ist die ECM-Ausstellung auch eine Zeitreise in die eigene Vergangenheit. Die meisten der Plattencovers kenne ich, viele davon stehen im eigenen Schrank. Aber es würde mich interessieren, wie ein jüngerer Besucher diese Ausstellung wahrnimmt. Bekommt er auch nostalgische Gefühle beim Betrachten der Exponate? Betrachtet er diese als Relikte aus einer vergangenen Zeit? Denkt er gar "so war's einmal, so wird's nie wieder"?
Das wäre in der Tat fatal.

Denn die richtige Folgerung lautet für mich: "so war's einmal, so muß es wieder werden".
Nicht in technischer Hinsicht, das Rad läßt sich nicht zurückdrehen. Aber im Zugang zur Musik.
Die Ausstellung zeigt uns –  vor allem jenen, die Musik nur noch aus dem Internet kennen –  daß wir Musik als Werk begreifen müssen, nicht als bloße Datei, die körperlos umherschwirrt und jederzeit verfügbar ist.
Denn das hat Manfred Eicher ganz sicher nicht gemeint, wenn er sagte "Musik hat keinen Ort".

Vielleicht hat Musik wirklich keinen Ort, aber sie hat eine Quelle und ein Ziel. Sie entsteht in den Köpfen und Händen der Musiker und Produzenten;  sie zielt auf die Seelen der Hörer. Dabei transportiert sie Gefühle und innere Werte. Genau das wird in der ECM-Ausstellung überdeutlich. Sie demonstriert die menschliche Komponente, zeigt die Leidenschaft der Musiker und räumt dadurch auf mit dem gelegentlich gehörten Vorurteil, ECM-Produktionen seien zu "kopflastig". Damit macht sie dem Betrachter auch Lust, sich mit der vielfältigen Musik des Labels zu beschäftigen, dessen Bedeutung  ja noch gewachsen ist.
Es gäbe noch viel zu erzählen über die ganz eigene ECM-Ästhetik, über die herausragende Klangqualität… doch sehen, hören und fühlen Sie selbst!

Ein Archäologe hofft,  etwas Unbekanntes, einen verborgenen Schatz, zu finden, der im Idealfall sogar seine eigenen Erkenntnisse erweitert. Wenn Sie mit genau diesem Ansatz in die Ausstellung "ECM – eine kulturelle Archäologie" gehen, werden Sie jede Menge solcher Schätze entdecken, das verspreche ich Ihnen. Sie haben noch Gelegenheit dazu bis zum 10. Februar 2013.

Gerhard Rühl, 26. November 2012

Ieri, oggi e domani – c'è sempre Adriano.

                                                          
Eine Hommage von Gerhard Rühl                                                                                                                 pdf-Version als Download

1965 kaufe ich die Single "La maison où j'ai grandi" der von mir geschätzten Françoise Hardy.
Ein wunderschönes Lied. Wie sich herausstellt, ist es eine Coverversion von "Il ragazzo della Via Gluck",  geschrieben von: Adriano Celentano.    



Die Single habe ich heute noch, und der Name Celentano hat mich seither fast fünzig Jahre begleitet.

Ende der sechziger Jahre, die ersten Reisen nach Italien, noch über die alte Brennerstraße. Fast eine Weltreise, die nur mit Zwischenstopp und Übernachtung zu bewältigen war. Spätestens hinter Trento wurde ein italienischer Sender gesucht – und da waren sie, die unvergesslichen Songs wie "La coppia piú bella del mondo" oder "Azzurro".

Daß wir damals den Adriano zwar genossen, aber wohl nicht ernst genug genommen hatten, lag auch ein wenig an seinem Klamauk-Image. Über Rock 'n' Roll und Coverversionen amerikanischer Hits hatte er sich zunächst einen Namen gemacht, dazu spielte er in vielen Filmen, die man heutzutage wohl als Klamotte bezeichnen würde.

Wohl weil unser Italienisch nicht gut genug war, hatten wir die Botschaften und Mahnungen nicht verstanden, die Celentano stets in seine Musik eingebaut hatte. Schon 1966 beklagte er in "Mondo in mi 7a" fehlende Moral, "Svalutation" handelte von der Inflation, sein großer Hit "Un albero a 30 piani" handelte von der Verschandelung moderner Städte.
Auf diese Weise hat Adriano Celentano immer den Spagat geschafft zwischen vermeintlich "einfacher" Unterhaltung und dennoch sozialkritischer Haltung. Mit unzähligen Hits und der unverkennbaren Reibeisenstimme hat er stets für gute Stimmung gesorgt und damit unser Italienbild geprägt.

Dabei ist Celentano stets fortschrittlich geblieben, hat immer neue Elemente in seine Musik eingebaut. Schon 1991 arbeitete er auf dem Album "Il re degli Ignoranti" mit Samples und elektronischen Effekten, bis heute macht er so manchem jüngeren Kollegen in punkto Soundtechnik einiges vor. 
Celentano arbeitet mit Musikern wie Jovanotti und Manu Chao zusammen, aber er hat niemals seine Wurzeln, seine Freunde und Mitarbeiter vergessen. Wie zum Beispiel den Komponisten  Paolo Conte oder die Textdichter Mogol und Luciano Beretta, auf dessen Konto einige der größten Celentano-Hits gehen.  

Und vor allen Dingen hat Celentano nie sein großes Ziel aus den Augen verloren: die Hörer und Fans auf Mißstände hinzuweisen. In Italien gibt es davon genug, und so hat Celentano immer wieder für Eklats und Skandale gesorgt, wenn er in der Öffentlichkeit die Herrschenden anklagte. So hat er zum Beispiel zusammen mit Roberto Benigni vor laufender Kamera Silvio Berlusconi veräppelt, so erregte er in San Remo mit seiner Brandrede gegen die Kirche, gegen die Politiker und gegen die Finanzmärkte ziemliches Ärgernis.
 

Wohl auch deshalb machte er sich alsbald daran, einen großen Coup vorzubereiten: zwei Auftritte, am 8. und 9. Oktober 2012, in der Arena von Verona, die wohl als sein größtes Spektakel gelten sollten….Die italienischen Medien sprechen jedenfalls vom Konzertereignis des Jahres.      

Adrianolive
Arena di Verona, Oktober 2012


Neun Monate wurde geprobt, 300 Bühnentechniker machten sich an die optische Umsetzung, verlegten zwölf Kilometer Kabel, installierten vierhundert Scheinwerfer, eine Hunderttausend-Watt-Anlage und 800 Quadratmeter LED-Bildschirme. Die 23.000 Tickets für beide Konzerte waren in etwas mehr als 2 Stunden ausverkauft. Die unteren Ränge wurden zum Normalpreis verkauft, die oberen Ränge gab es zum symbolischen Preis von 1 Euro!
Die Show wurde produziert von Claudia Mori, mit der Celentano seit 1964  verheiratet ist.
Gefilmt von 13 Kameras wurde das Konzert live im Fernsehen übertragen und fand 20 Millionen Zuschauer. Gigantisch.  

Denn was Celentano hier mit Musikern und Tänzern bot, war eine phänomenale Show, die in die Geschichte der italienischen Populärmusik eingehen wird. Schon von Beginn an war dieses Konzert durchsetzt nicht nur von großartigen Hits und erstklassiger Musik, sondern auch von Botschaften über die Krise der Finanzmärkte, der Politik, des alltäglichen Lebens.

So wird jeder Zuschauer noch lange Jahre von diesem einmaligen Erlebnis zehren, vielleicht sogar manche Erkenntnis in sein Leben einbauen. Beispielsweise sagt Celentano "die Krise ist nicht nur in Italien, sondern weltweit. Und das Epizentrum liegt in uns selbst". 
Ein Satz, der mir zu denken gibt. Ist es nicht wichtig, auch durch eigenes vernünftiges Verhalten dafür zu sorgen, daß die Krise nicht immer noch weiter wächst – anstatt auf die Erkenntnis anderer zu warten, die dann doch ausbleibt.

Zurück zum Konzert in der Arena. Beim Betrachten des Konzertmitschnitts stellt sich, selbst auf einem kleinen Bildschirm,  pure Gänsehaut  ein. Wenn zum Beispiel Celentano auf der Gitarre die ersten Töne von "Via Gluck" anstimmt und die ganze Arena mitsingt. Viele der Zuhörer waren noch gar nicht geboren, als dieses Lied entstand. Jetzt singen sie alle mit, Wort für Wort. Unglaublich.
Und noch unglaublicher ist: dieser Adriano Celentano wird am 6. Januar 75 Jahre alt.

Mit seiner souveränen Lässigkeit und dieser noch immer unverkennbaren und kraftvollen Stimme ist er einer der wichtigsten Musiker der Gegenwart. In jeder Hinsicht.
Gestern, heute, morgen – und hoffentlich auch noch übermorgen.

Buon compleanno, Adriano! Sei unico!
Gerhard Rühl, im Januar 2013  

Wenn ein Künstler stirbt, stellen sich Trauer und Betroffenheit ein. Die Nachricht von Lucio Dallas Tod, die sich wie eine seismische Welle ausbreitete, hat jedoch weit mehr hervorgerufen, wie wir an den Reaktionen vieler Kunden spüren konnten. Es ist, als hätte man einen Verwandten verloren. Da werden Emotionen frei und Erinnerungen wach.  

Ich erinnere mich beispielsweise an viele schöne Italien-Reisen. An das Umstellen der Uhren am Brenner. An den ersten Cappuccino an der Autobahn. Den Geruch des Meeres, der schon Kilometer vor der Küste zu spüren war. Das erste Frühstück auf der Piazza, dazu die erste "emme esse". Und ich erinnere mich vor allem an die schöne Musik.  

In den sechziger Jahren war die italienische Musikszene geprägt von Liedern, die man in Italien "canzone" nennt, die bei uns aber als Schlager gelten. Man kannte hierzulande hauptsächlich Sänger wie Domenico Modugno, Rocco Granata, Peppino di Capri, Gigliola Cinquetti.
Jedes Jahr wurde der Sommerhit "Canzone dell'estate" gekürt. Eine zentrale Rolle spielte das alljährliche Festival in San Remo. >1)

Die Aufbruchs- und Proteststimmung der späten 60er Jahre hatte auch Italien erreicht. Natürlich gab es auch kritische Musiker, doch in der Öffentlichkeit fanden sie kaum Beachtung. Während man hierzulande Songs wie "Universal Soldier" und "The Partisan" hörte, sang man in Italien immer noch von der Liebe, den Blumen, dem Regenbogen…

Italienische Popgruppen gab es natürlich auch. Sie trugen Namen wie Equipe 84, Formula Tre oder I Dik Dik und verdienten ihr Geld häufig mit Coverversionen von bekannten Popsongs, die sie in den Diskotheken der Badeorte spielten. Irgendwo zwischen diesen beiden Strömungen bewegte sich Adriano Celentano, den man trotz seiner teils kritischen Texte doch eher dem Pop-Lager zuordnete.  

Die italienische Musik war schön, keine Frage. Besser als deutsche Schlager war sie allemal.
Aber es war doch merkwürdig, zuhause Frank Zappa zu hören, im Urlaub jedoch Nicola di Bari. S
o saßen wir als Musikbegeisterte vor unserem kleinen Transistorradio und hörten Radio Monte Carlo, stets auf der Suche nach neuen Klängen.

Dann, im Jahre 1971, die Wende. Sandro, ein Römer, der Gitarre spielen konnte, sang uns zwei Lieder vor: eines hieß "Emozioni" und war von Lucio Battisti, der zweite Song stammte von einem gewissen Lucio Dalla. Die letzte Zeile lautete "per la gente mi chiamo Gesù Bambino".
Wir waren wie elektrisiert. Endlich Lieder, die nicht das Klischee des ewig fröhlichen Eisverkäufers bedienten, sondern anspruchsvolle Texte boten. Eine Initialzündung - die Cantautori hatten endlich die verdiente Öffentlichkeit erlangt. Die Dämme waren gebrochen, die neue Welle war nicht aufzuhalten, spätestens als Dalla ein Jahr später in San Remo sein Lied "Piazza Grande" vorstellte.  

Wieder ein Jahr später machte ein gewisser Francesco de Gregori mit nachdenklichen Liedern wie "Alice no lo sa" und "Niente da capire" auf sich aufmerksam. Ein zweiter Held der Cantautori-Bewegung war geboren. Wo früher Autoren- und Produzententeams mit Sängern, die oft nur Darsteller waren, eine Art "pan-italienischer" Musik geschaffen hatten, waren nun individuelle, authentische Klänge zu hören. Nun war es plötzlich wichtig, aus welcher Region die Musiker kamen. Es gab die "römische Schule" mit Francesco de Gregori und Antonello Venditti, die Genueser Schule mit Fabrizio de André und Ivano Fossati, dazu auch Pino Daniele aus Neapel.
Besonders stark vertreten war Bologna, Universitätsstadt mit einer starken intellektuellen Szene. Wichtigster Interpret: Lucio Dalla.

Dalla hatten einen enormen kreativen Output, seine Alben enthielten so viele erstklassige Songs, daß sie bei anderen Musikern schon für ein Greatest-Hits-Album gereicht hätten. Alsbald freundete sich Dalla mit de Gregori an, ihre Zusammenarbeit gipfelte in der 1979er Tournee "BananaRepublic". Ein ungleiches aber geniales Paar: das schmächtige Männlein Lucio Dalla mit den listigen Augen und lustigen Kopfbedeckungen. Als Kontrast dazu der hagere, stolze, gutaussehende Römer Francesco de Gregori. Immer wieder haben diese beiden – bis zuletzt – zusammengearbeitet, wenngleich sich ihre Wege auch immer wieder getrennt hatten.  

So hat die italienische Musikszene in den 70er und 80er Jahren eine nie gekannte Blüte erlebt.
Fabrizio de André trat 1979 endgültig ins Rampenlicht mit seinem Anti-Kriegs-Song "Andrea".
In den 80er Jahren glänzte er mit zwei herausragenden Alben, gesungen im ligurischen Dialekt. Antonello Venditti wurde mit der Hyme "Roma" zum Star. Pino Daniele erweiterte die napoletanische Musik mit brasilianischen Rhythmen und Blues-Rock-Elementen. Und es gab unzählige weitere großartige Künstler.

Damit hatte die italienische Musikszene plötzlich außer schöner Urlaubsmusik auch eine weitere extrem kreative Facette zu bieten, die sich vor den anglo-amerikanischen Stars keineswegs verstecken mußte. Das war großartige Musik, die man immer und überall hören konnte. Die Musik hatte sich emanzipiert und vermittelte uns so ganz nebenbei ein neues, ein anderes Italien-Bild.

Die zentrale Figur blieb dabei Lucio Dalla. Einen wie ihn, so fürchte ich, wird es so schnell nicht mehr geben. Denn in seinen Liedern vereinten sich großartige Texte und wundervolle Melodien zu einer unverwechselbaren Mischung. Dalla hat seinen Sound entwickelt und den Moden angepaßt, ist aber immer er selbst geblieben – von den uptempo-Nummern wie "Attenti al lupo" oder "Washington" bis hin zum schwelgerischen "Caruso", seinem allergrößten Hit.

Etwa Mitte der 90er Jahre kam die Szene dann ins Stocken, zumindest scheint es mir aus der Ferne so. Vielleicht liegt es am eigenen Interesse, vielleicht an der Musik oder auch an den politischen Verhältnissen in Italien – die Faszination wurde für mich jedenfalls deutlich geringer.

Es sind zwar viele "neue" Musiker hinzugekommen, allen voran Zucchero, aber auch Jovanotti, Sergio Cammariere, Gianmaria Testa. Mit Adriano Celentano und Paolo Conte sind zwei Musiker der "alten Garde" noch immer aktiv. Auch Gianni Morandi, langjähriger Freund Dallas, ist noch immer tätig.

Doch von den großen Cantautori der 70er und 80er Jahre ist, nachdem Battisti, de André und jetzt auch Lucio Dalla von uns gegangen sind, nur noch Francesco de Gregori übrig.  

Wenn ein Künstler stirbt, flüchtet man gerne in die Floskel "er ist unsterblich und lebt in seinem Werk weiter". Mit Lucio Dallas Tod ist jedoch mehr als "nur" ein Menschenleben zu Ende gegangen. Ich fürchte, daß damit eine ganze Ära endgültig ihr Ende gefunden hat. Ein Kreis hat sich geschlossen. Noch symbolträchtiger geht es kaum – just an seinem Geburtstag ist Lucio Dalla in Bologna zu Grabe getragen worden.

Was mir bleibt, ist die freudige, aber auch nachdenkliche Erinnerung an vergangene Zeiten.
Ich bin froh und dankbar, daß ich das alles miterleben durfte. Lucio Dalla hat einen großen Teil dazu beigetragen.

Grazie e addio.

1) Das Festival San Remo.
Es ist Segen und Fluch zugleich. Einerseits sorgte es für die Verbreitung der inländischen Musik und dafür, daß Italiener "ihre" Musik und "ihre" Musiker kennen. Andererseits drehte es sich mit seinem Auswahl-system im Kreis und sorgte dafür, daß immer die gleichen Produzententeams  den immer gleichen Sound präsentierten.
Aus Protest, weil sein Lied nicht zum Festival zugelassen wurde, nahm sich der Sänger Luigi Tenco 1967 in einem Hotelzimmer in San Remo gar das Leben.
So entfernte es sich – ähnlich wie der European Song Contest – immer mehr von der Realität und sorgte immer wieder für Skandale, Zensur war keine Seltenheit. So mußte Lucio Dalla beispielsweise sein Lied "Gesù Bambino" auf Anordnung der San-Remo-Jury umbenennen – er wählte als Titel sein Geburtsdatum "04/03/1943". Und andere Sänger zwang man zu Änderungen ihrer Texte.
1986 sicherte sich der Fernsehsender Canale 5 die Exclusivrechte am San-Remo-Festival.
Er gehörte zur Gruppe Fininvest. Raten Sie, wer der Besitzer war…Silvio Berlusconi.

Mit Vergnügen erinnere ich mich an einen Auftritt von Jovanotti vor etwa 10 Jahren, der diesen vor laufenden Fernsehkameras spontan zu einer Demonstration nutzte "erlaßt der Dritten Welt ihre Schulden". Versteinerte Gesichter in den ersten Reihen und ein höfliches "Danke für die interessante Darbietung" waren die Reaktion. ImJahr 2012 sorgte die Moderation von Adriano Celentano für Aufregung, der in einem gnadenlosen Monolog Politik, Wirtschaft und Kirche angriff. Und das in Italien!
Wie man hört, steht er seither "unter Beobachtung".

Lucio Dalla hat noch kurz vor seinem Tod dazu Stellung genommen. Er nannte das Festival ein Volksfest, bei dem es nicht mehr um Musik geht, sondern um kreischende Teilnehmer, die hoffen, ins Fernsehen zu kommen.

Postscriptum:  

Sofort nach der Trauerzeremonie ist in Teilen der italienischen Öffentlichkeit eine Diskussion entstanden über Lucio Dallas Gläubigkeit und seine sexuellen Neigungen. Ohne für die eine oder andere Seite allzu sehr Partei ergreifen zu wollen – ich finde diese Diskussion würdelos und geschmacklos und wird dem Menschen und Musiker Lucio Dalla in keiner Weise gerecht.

Es ist für mich nicht in Ordnung, posthum in privaten Angelegenheiten zu schnüffeln, schon gar nicht wenn der Verstorbene dies selbst nicht wollte.  

Es ist aber auch nicht in Ordnung, hier von "Sünde" und "Sünder" zu sprechen.
Es ist nicht in Ordnung, wenn Dallas Beichtvater sagt : "auch Jesus sei zu den Prostituierten gegangen, um sie zu bekehren".  

Cohen, ganz selbstsicher und ohne jede Larmoyanz, spielte ein wundervolles Konzert. Absoluter Gänsehaut-Moment war es, als im Song "So Long Marianne" Tausende von Zuschauern, wie auf ein geheimes Kommando hin, von den hinteren Rängen nach vorne strömten um ganz demonstrativ zu zeigen: Leonard, wir kommen zu dir, wir wollen in deiner Nähe sein. So ergoß sich das Publikum förmlich in den Raum vor der Bühne – Leonard Cohen war sichtlich gerührt von so viel Zuneigung.

Bei diesem Konzert haben wir endgültig realisiert, welch ungeheure Wirkung Leonard Cohens Auftritte auf die Zuhörer entwickelten. Zunächst hatten wir, etwas naiv, gedacht: wenn Cohen wüßte, daß da zwei Leute extra von München nach Barcelona fliegen. Dort angekommen sahen wir : wir waren nicht die einzigen – es waren Tausende aus aller Welt. Förmlich ein Konzerttourismus, wie eine Pilgerfahrt. Ich gebrauche dieses Wort absichtlich, denn die Konzerte hatten in ihrer so unglaublich emotionalen Stimmung tatsächlich etwas Gottesdienst-ähnliches.
Und, ebenso erstaunlich wie erfreulich, sie verbanden Generationen.
In Barcelona saßen hinter uns drei Schwedinnen, sicherlich nicht viel jünger als Cohen selbst, mit Tourneepässen! Vor uns junge Spanierinnen mit Tattoos und Piercings!

Deshalb verneigen wir uns in Dankbarkeit vor einem großen Künstler. Mittlerweile 80 Jahre alt geworden, hat er es nun endgültig verdient, seinen Lebensabend ruhig und sorgenfrei zu verbringen.
Vielleicht ja im "Tower Of Song"?  

Silvia & Gerhard Rühl und das Team von SHIROKKO MUSIK

Nachsatz
Am 7. November 2016 ist Leonard Cohen im Alter von 82 Jahren von uns gegangen.
Uns bleiben nur noch zwei Worte: 
Thank you!